bruno karnel

La pochette donne le ton : univers BD/Manga à la Coheed and Cambria; titre plutôt sombre et ambiance "conceptuelle". Et c'est une heureuse découverte que ce petit album fait maison, entre post-rock et metal moderne, où se télescopent les influences (revendiquées) de Tool,Alice in Chains et, bien sûr, Coheed. Quelque chose du Three de "The End has begun" aussi, dans le morceau d'intro lent et sombre, ou de The Welder Bones dans le mélange post-rock/prog métallique. Un bon dosage d'arpèges inquiétants et de sons de double pédale ("Screaming clouds", "1977" - quelle belle année). Au niveau des moins, on dira que le son est un peu sourd (l'enregistrement sur ipad ?), que l'ensemble manque de chant (par rapports aux petits copains Three et Coheed, c'est flagrant, d'autant que le morceau d'intro nous laisse espérer un filet de voix intéressant à la Layne Staley). On dira aussi que rythmiquement, c'est un peu plat parfois ("Fearworks", "The man..."), évoquant plus un IQ ou un Arena moderne que les fantaisies de Tool, d'Opeth ou de Porcupine Tree. Mais tout cela est bien en place, et plus que prometteur !

Du Bellay en pop music ? Ah oui, bonne idée, je prends ! Trois titres modestes et finement ciselés qui mettent bien en valeur la qualité de la langue du poète angevin, et réussissent le pari jamais évident d'interpréter des textes si anciens. L'ambiance est très "pop française 70's", dans les voix, les guitares, les arrangements : pas forcément un style que j'affectionne particulièrement, mais là, il faut reconnaître que le projet s'y prête (davantage que, je sais pas, de l'electro, par exemple). Mélodiquement, c'est également très bien fait. Une bonne initiative qui appellera, j'espère, une suite !

Dès l'introduction, solennelle à souhait, mystique peut-être, on sait de qui il s'agit - et on sait que ce sera énorme ! Une structure alambiquée, pas facile à appréhender, mais séduisante; des moments de profonde mélancolie; une batterie peut-être superflue.

Le reste de l'album n'est pas en reste, loin de là ! J'ai fait l'expérience d'écouter une première fois sans regarder les titres, simplement en sachant vaguement qui avait participé à cet opus 2 : eh bien, j'ai reconnu presque tous les musiciens accompagnant Cire, ce qui prouve à quel point chacun a maintenant une "patte" identifiable sur Jamendo ! Southman, épuré et nostalgique, Yvalain, folk, mélodique et lumineux, Scratch.L., d'un minimalisme fascinant, Dom, toujours protéiforme, et un Piano de la Tour étonnamment sobre. En ce qui concerne Alpha Hydrae (que je ne connaissais pas), même si je partage sa méfiance envers la perfection ("qui de toutes façons n'est pas de ce monde, blablabla"), les "pains" m'ont parfois un peu gêné dans le contexte d'un album au son par ailleurs très bien léché : ça tranche un peu avec le reste. Par ailleurs, j'apprécie beaucoup ses velléités de multi-instrumentiste, les partageant moi-même !

Quant à la voix, pardon, aux voix, est-ce une certaine confiance, apportée par la réception exceptionnelle de sa musique sur Jamendo, il me semble que Cire se révèle beaucoup plus sobre sur cet album que sur l'autre Sacub & Co. ou Shamatronic. Moins démonstratif, moins omniprésent, sachant laisser de l'espace à ses compagnons de route. Evidemment, l'ensemble en gagne en cohérence et en profondeur, même si c'est bien lui le "chef d'orchestre", celui qui "impose" (mais en toute subtilité, sans violence) sa griffe à l'ensemble des musiques, y jetant des reflets que l'on appellerait bien "gothiques" si le terme n'était pas si galvaudé aujourd'hui. Quelques fulgurances pop par-ci par-là, qu'on verrait bien durer un peu plus longtemps parfois, (le morceau d'Yvalain) montrent également un talent mélodique jusque là insoupçonné.

Bref, en plus de proposer (et ce n'était pas sans mal, d'après ce que j'ai pu lire) un album de collaborations aussi éclectique que dense, Cire de Sacub produit ici un voyage à travers toutes sortes d'émotions qui ne peut laisser indifférent. Longue vie à Sacub & Co. !

Daisylis a trouvé avec la musique de Southman et les arrangements d'Yvalain un bel écrin à ses récitations, un écrin vivant, en réaction discrète mais constante aux textes. Ambiance intimiste garantie, plus encore dans les morceaux piano/voix qu'avec les autres sons de claviers. Autre chose que j'aime, le fait de faire appel à différentes langues comme à différentes époques, mêlant ainsi l'anglais à l'espagnol, le polonais au français ("Viens dans les étoiles", par son thème et la diction, me rappelle Ange - et il me semble d'ailleurs que c'est un texte que notre conteuse préférée avait déjà interprété ailleurs), tout en faisant un détour par l'italien du Moyen-Age... Qui dit mieux ? Et j'aime décidément beaucoup la diction de Daisylis en espagnol, ainsi que les sonorités peu habituelles du polonais. Seul bémol à mon avis, les synthés baroquisants de "Voi que per li" (magistralement interprété par ailleurs), avec cette boîte à rythme un brin incongrue...

Pour conclure, je dirai que de toutes les expériences "spokenwords", celle présentée ici, avec le piano subtil et humble de Southman, est une des plus probantes, une des plus naturelles. De là à espérer une suite, il n'y a qu'un pas !

Oui, cela a du sens de réciter ce poème aujourd'hui. Poème panthéiste, dans le quel le jeune Rimbaud exprime sa nostalgie du paganisme antique, détruit par un christianisme bouffi d'interdits et de moralité sclérosée - tout cela à grand renfort d'érudition mythologique, réminiscences d'Ovide ou d'Hésiode. Poème d'un autre temps, sans doute, mais correspondant bien, avec un peu de recul, à la décadence contemporaine.

Il ne s'agit pas, évidemment, de disserter sur le texte de Rimbaud, plus connu pour des poèmes plus "modernes" (celui-ci a quand même un parfum de classe de rhétorique, difficile à assimiler pour beaucoup d'auditeurs contemporains, sans doute). Je fais partie de ceux qui trouvent réussie l'interprétation du texte, sobre et nostalgique, mettant bien en valeur ce "catalogue" et les différents mouvement du texte (malgré les conditions d'enregistrement, très "camping" en effet !). La musique est un remarquable écrin à cette petite symphonie, discrète mais évolutive. Onac est décidément un musicien qui aime surprendre, car ces longues plages étirées sont à mille lieues des guitares stridentes de "Bienvenue", le précédent maxi.

"L'homme est triste et laid", oui, sans doute. Mais le texte est beau, et la musique aussi. Moi, ça me suffit.